Muerte de la Virgen de Caravaggio, editado por Alessio Fucile Crítico e Historiador del Arte

Os presento “Muerte de la Virgen” de Caravaggio, pintado hacia 1605: siempre se ha considerado el lienzo del escándalo ya que fue rechazado por la Iglesia, retirado del altar por el que fue pintado e incluso vendido y transportado al extranjero. . Hoy se encuentra en el Museo del Louvre en París.
La pintura fue encargada por un amigo cercano del cardenal Del Monte para adornar una capilla funeraria en Santa Maria della Scala en Roma. El episodio, extraído de la tradición apócrifa, atestigua cómo el ángel Gabriel le había revelado su muerte inminente a María entregándole una rama de palma. Mientras tanto, los apóstoles, dispersos para anunciar el Evangelio al mundo, son transportados milagrosamente a la casa de la Virgen en Jerusalén y mientras preparan el funeral reciben la visita de Jesús que conduce el alma de la Madre al cielo. Durante la procesión fúnebre dirigida a la tumba en Getsemaní, un judío quisiera profanar el cuerpo de María pero es castigado y sus manos caen: se le dice que será curado solo si confiesa la divinidad de Jesús y así sucede. Los apóstoles vigilan el cuerpo de la Virgen en la tumba, que Jesús y los ángeles llevan al cielo al tercer día.
En el lienzo, Caravaggio representa la casa de María; la Virgen yace en su lecho de muerte, sin ningún atributo sagrado; una cortina roja, que es parte del dosel improvisado para crear algo de privacidad y bloquear la vista de la mujer moribunda, es movida con fuerza por un apóstol.
Merisi imagina la escena cargada del pudor de los apóstoles, representados como plebeyos y sin aureola, que no entran en ese lugar antes de que el cuerpo haya sido reensamblado. Todos van descalzos y con ropa sencilla, túnica y manto para protegerse de los elementos. Giovanni está de pie a la derecha, envuelto en un manto verde, con el rostro pensativo y absorto, apoyado en su mano izquierda; detrás de él aparece el apóstol que mueve el telón para que todos puedan ver finalmente a la Madre de Cristo y poder saludarla por última vez. De pie al pie del improvisado féretro está Pietro, que inclina la cabeza a modo de saludo y, frunciendo el ceño, alza humildemente los ojos hacia la madre de su Señor, abrazándose con los brazos cruzados en un gesto de digno dolor. Parece que Caravaggio alude al personaje de Pietro: no se rinde a las lágrimas y, soportando el dolor, se acurruca en sí mismo para fortalecerse a sí mismo y a los demás, consciente de su papel en el grupo, juntos nuevamente en ese triste momento. Justo detrás hay tres apóstoles que, no habiendo visto aún el cuerpo de María, hablan entre ellos mientras el apóstol llama la atención a un cuarto que mueve la cortina.
La niña que llora en la silla recuerda, tanto en el vestido como en el peinado, el personaje de otro cuadro de Caravaggio, la Magdalena. Quizás ella lavó el cuerpo de la Virgen, de hecho hay una palangana de cobre en el suelo con una gasa colgando. María, sin vida sobre la cama de hierro forjado, tiene el brazo izquierdo estirado sobre el colchón en escorzo, para identificar una cruz, la misma en la que vio morir a su Hijo, y su mano derecha descansando sobre su vientre, el lugar donde concibió. y dio la bienvenida al Salvador. La Virgen, retratada joven, representa a la Iglesia inmortal, mientras que el vientre hinchado recuerda la gracia divina de la que está embarazada. Caravaggio recuerda que a través de ese cuerpo Dios entró en la historia para salvar al hombre. Las críticas rajan precisamente sobre este particular: la pintura considerada “lasciva” y “sin decoro”, ha llevado a muchos a pensar que Caravaggio había retratado a una prostituta muerta ahogada en el Tíber. Mucho escándalo, en particular, lo hizo con los pies descalzos hasta el tobillo.
Personalmente, me parece claro que Caravaggio quería pintar a una mujer embarazada, y el término “hinchado”, utilizado por Bellori, alude a esto, según el uso popular. La santidad de María procede de su “madre”: una vez más Caravaggio resume y renueva la tradición iconográfica que le precede.
En el instante en que se mueve el telón, un rayo de luz estalla desde arriba y llena la pequeña habitación de un resplandor dorado: es la luz de la gracia que brilla en la oscuridad donde hay olor a muerte, una metáfora de la corazón que muchas veces es un receptáculo oscuro para errores y fracasos. ¡Caravaggio con ese rayo de luz te invita a no tener miedo de tu debilidad! Porque si lo quieres es en tu fragilidad y en tus heridas donde descubrirás la presencia de Dios, gracias por tu amable atención.

Lascia un commento

Il tuo indirizzo email non sarà pubblicato.